Luciana Novo

Por Laura Salguero

Luciana Novo (Córdoba, Argentina, 1981) es una joven artista afincada en Valencia que trabaja a caballo entre la escultura y la pintura, sirviéndose de materiales tan heterogéneos como el cemento o la plastilina con los que construye un potente imaginario personal. El uso de materiales encontrados también introduce en su obra un cierto carácter de espontaneidad y frescura que se suman a su joven mundo plástico y a su estridente paleta de colores. Luciana trabaja el paisaje, la animalidad, la iconografía popular y ahora estudia los materiales también desde la abstracción. Pero siempre preocupada por temas tan importantes como la violencia, la inocencia, lo obsceno y abyecto o la belleza. 


Presencia en Internet

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Presente en ffffound
Tablero en Pinterest
Ficha en la base de datos de producciones, profesionales y empresas audiovisuales catalanas


Entrevistas y otros enlaces

2014. "Úrsidos hipercarnívoros - Sobre la obra de Luciana Novo", Edu Reptil
2013. "Monstruos que se revelan a través del arte", El País
- "Los monstruos que todos llevamos dentro", Salva Torres, Makma
- Luciana Novo, PonyAnarchy
- "De la UPV a los Goya" Universidad Politécnica de Valencia
- "Luciana Novo - Polar Bear Head", Georgette Mosley, UDo Mag
- "Mixed Media Sculptor: Luciana Novo", Scout
- "A drink with the artist Luciana Novo", Andreo.li
- "Spectacular Three-dimensional polar bear sculpture" Pinar, My modern metropolis
- "Artist Luciana Novo sparks an open discusion regarding polar bears", Ariel Weber, TrendHunter
- "3D polar bear sculpture", Fubiz
- "Luciana Novo's plasticine polar bear", Cyril Foiret, Trendland
- "Arte tridimensional: Luciana Novo", SDP Noticias
2012. "XIII Convocatoria Luis Adelantado", Jesús Andrés, Ceci n'est pas un cahier ni tampoco una pipa
2011. "Galería Luis Adelantado. XIII Convocatoria abierta" arte10

Formación

2012. Licenciatura en BBAA, Universidad Politéctica de Valencia
- Programa de Estudios Independientes del MACBA 'De animales y monstruos', Barcelona
2009. Licenciatura BBAA (curso) Universidade de Belas Artes do Porto, Portugal
2008. "Memoria y Fragilidad", Xisco Mensua , Rafael Ballester Añon. 
- "Arqueologías de Exceso",Daniel Canogar, Glória Picazo. 
- "La voz en la mirada II", Juan hidalgo, Esther Ferrer y Valcárcel Medina. Curator David Pérez, Facultad BBAA San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia,Spain
2007. "Procesos de experimentación creativa" - II Campus de verano de Las Artes de Guía , Universidad la Laguna , Las Palmas de Gran Canaria, Spain
2005. "Antonio López", Pintura al natural Centro Cultural La CAM, Alicante.Spain


Exposiciones individuales

2011. Galería MisterPink, "Pretty Mortal Place". Valencia, Spain
2010. Galería Geraldine, "Superglue", Lisboa, Portugal


Exposiciones colectivas (selección)

2014. Premis Senyera, Galeria del Tossal, Valencia, Spain
- Wooden Hutt Studio, Ruzafart Valencia, spain
2013. Fundación Chirivella Soriano, "Monstruos: Historias, promesas y derivas".
2012. Ayuntamiento de Benidorm. "Vacaciones en el mar". Curator Ricardo Forriols. 
- Galería Imprevisual. "Suite", Valencia, Spain
2011. Galería Luis Adelantado, "XIII Convocatoria", Valencia, Spain.
- Gakería Misterpink, "Los jueves por la noche", Valencia, Spain.
2009. Museo Universidade do Porto, "Selected works" , Portugal
2008. Kabuki, Narcisos, Lisboa, Portugal
- Kabuki, Dermophias, Lisboa, Portugal
2007. Campus de las Artes de Guia, Gran Canaria
- Ca Revolta, "Desde el arte a la diversidad", Valencia
- Galería Salamanca 28, "Primera muestra de arte joven", Valencia
2006. Sala del Carmen, Ciutat Vella, curator Rosa Artero, Valencia
2005. "Joseph Renau, Anónimos y antónimos", curator José Saborit, Rosa Artero, Valencia
2003. Ciudad de las Artes y las Ciencias, "Hemisferic", Valencia


Publicaciones

2015. University of Washintong Press. “The cultural history of Polar Bears” 
2014. Kunstschirft magazyne , Beesten Buiten
- Trendbook Text World Spring/Summer 15
2013. Fundacion Chirivella Soriano, (catálogo), "Mostruos, Promesas y derivas".
- Ruzafa View
2012. "The horror vacui, Susana Molina Babylon Magazyne international
2011. Ocimag,"Pretty Mortal Places"
2007. CVAG'07 Campus de Guia (catálogo)


Obra en colecciones

Fundación Esprohident, Cádiz
Fundación de las Artes de Guía, Gran Canaria.

Entrevista de Laura Salguero a Luciana Novo

Te mueves entre la escultura y la pintura, una práctica que va y viene entre ambas disciplinas, y en ocasiones las fusiona en una especie de pinto-escultura con la que relatas mundos oníricos, muestras animales maravillosos, formas que nacen de un imaginario propio. ¿Cómo definirías el universo en el que te mueves? ¿De qué conceptos partes y hasta qué límites? 

No suelo partir de una “idea” en el sentido estricto, razonado. Más bien, una imagen o un objeto dispara otro y se produce una asociación que yo sigo para ver dónde lleva. Es en el camino donde voy encontrando ideas o conceptos que se encienden como por accidente. Pero es, digamos, el resultado de un trabajo intuitivo de eliminación. Siento la necesidad de trabajar en varias piezas a la vez, ensayando por separado con cada una sin dejar de pensarlas como un paisaje, sin restricciones respecto a materiales, etiquetas o técnicas. El momento en que se produce esa primera imagen que dispara el proceso sí suele tener que ver con un cierto imaginario o mitología personal, un cierto gusto por la mezcla de lo apocalíptico y lo infantil, material sci-fi, libros de maravillas y misterios, la relación de poderes entre naturaleza y humanidad. Pero lo cierto es que me cuesta mucho conceptuar las cosas, si insisto pierdo el rumbo. No pretendo demostrar premisas. Pero, obviamente, me preocupa el mundo que habito. La transformación, la acción del tiempo, la corrupción de la belleza, son preocupaciones personales que aparecen en la obra. 

Me comentaste que uno de tus libros de referencia era “El año de la Liebre”. En la obra de Paasilinna, éste nos invita a huir, a convertir en realidad esa vida que únicamente nos atrevemos a soñar, pero nos advierte de que en el fondo, lo queramos o no, seguimos siendo seres humanos, con todo lo bueno y malo que esto conlleva. ¿En qué medida se refleja ese pensamiento en tu obra? 

El libro que citas es una referencia bastante reciente que, en este caso, tiene que ver con el momento personal en que me llegó la historia, en México. Como el protagonista, yo también me encontraba en mitad de un viaje, una huída de la responsabilidad hacia lo desconocido, hacia lo inútil, motivada por la necesidad de generar cambios y de enfrentar preguntas vitales. En el fondo, en eso consiste en cierto modo la actividad creativa artística, la búsqueda de un paisaje personal en un permanente elogio a la inutilidad. Una denuncia al pragmatismo humano a través del acto poético. Como Fitzcarraldo, en la peli de Herzog, donde la obsesiva voluntad del protagonista le lleva a subir un barco hasta lo alto de una montaña. Precisamente, el diario que el propio Herzog publicó sobre el rodaje tiene por título “La conquista de lo inútil”.

Desde el papel de espectador se percibe en tu obra un claro interés acerca del concepto de la perdurabilidad. Aparece, de alguna manera, un paralelismo espontáneo (o no) entre el uso de materiales perecederos (plastilina) y duraderos (cemento) y una preocupación por ese legado que nuestra civilización dejará en un futuro más o menos lejano. He podido leer en otras entrevistas un término que nombras a menudo y que me gustaría que desarrollaras aquí: “arqueología prematura”. 

La idea de arqueología prematura se ha convertido en una constante en mi trabajo para poder denominar cierto tipo de objetos. Algo así como una colección de todo lo que sobra, un pedazo de algo que he destruido o ha cambiado, piezas pequeñas, pruebas. Son los restos procesuales de algo que todavía no ha sido creado o que ya no existe y es en parte un símbolo roto. Lo cual es fantástico, porque la realidad entera se construye así, de modo que cualquier objeto/material es susceptible de ser reidentificado. También es terrible porque hay mucho material y soy más bien indecisa. Creo que en el fondo todo tiene que ver con un modo personal de lidiar con el cambio. Nací en Argentina, donde pasé media infancia y mi familia se mudó a España, donde me tocó vivir la otra mitad. Cambios de colegio, de casa, cambio de amigos… Un estado de tránsito permanente. En mi obra suelo andar siempre en busca de un paisaje estable que, paradójicamente, remarca la condición efímera de las cosas.

A pesar de presentarnos un futuro trágico, una visión apocalíptica en el fondo, trabajas una estética que, sorprendentemente apela al mundo infantil y optimista, ya sea por el uso de materiales de tipo escolar, de colores vivos o por una iconografía asociada más bien a “lo agradable”. ¿Cómo explicas ese contraste entre el medio y el mensaje? ¿Eres optimista en cuanto al devenir de esta sociedad o por el contrario crees que estamos a la deriva en un barco sin timón? 

Siento que el mensaje llega con amabilidad cuando se muestra en un formato accesible. Sin embargo, ese contraste entre un medio de apariencia ingenua y una lectura áspera de la realidad me parece visualmente potente. De algún modo, siempre me ha atraído este tipo de mirada y este tipo de artistas, como Henry Darger, Odilon Redon, Daniel Richter o Daniel Jonhston... Imagino el futuro, pero no sé si de un modo optimista. Digamos que me río por no llorar, sin dramatismo. Muchas veces como simple espectadora.

En la entrevista realizada para Babylon Magazine mencionas a Louise Bourgeois como uno de tus referentes, una “de los grandes”. ¿Cómo ubicarías tu producción artística en relación a la obra de ésta? 

Se trata de un referente moral, si se puede decir así. Mi obra bebe posiblemente de otros referentes estéticos, pero hay un mismo punto de partida. Esa búsqueda del paisaje propio del que hablaba antes. El arte como vudú, como exorcismo de aquello que nos perturba, sin guión y haciendo uso de la intimidad, con el objetivo de conquistar un espacio personal nuevo. 

He podido averiguar que, en paralelo a tu producción personal, trabajas también en otras disciplinas como son el cine o la música. ¿De qué manera se retroalimenta tu práctica artística personal y tu práctica profesional en el ámbito audiovisual? 

La producción artística es mi actividad constante, mientras que el trabajo en audiovisual es una variable en mi vida. Son dos cosas que corren paralelas sin apenas tocarse, y como procesos son muy distintos: el primero es completamente solitario, una carrera de fondo. El segundo es un sprint en equipo, donde trabajas con otros, te vuelves permeable, y tratas de casar tus gustos con las exigencias del director, el guión, el tiempo, el presupuesto… Lo cierto es que me encantaría fusionarlo quizá más adelante. 

En el pasado has compartido lugar de trabajo y ahora trabajas sola. ¿De qué manera (si lo hace) influye compartir un espacio de trabajo en tu manera de producir? ¿Quedan reflejadas esas etapas en tu obra? Al margen de los espacios compartidos, ¿has formado parte de alguna producción colectiva? 

Hace poco más de un año que volví a trabajar sola. Vengo de compartir estudio con mi amigo el pintor Javier Palacios. Ya nos conocimos compartiendo espacio en la facultad, y desde entonces somos muy buenos amigos y compañeros. Siempre fuimos compañeros creo, incluso ahora en la distancia. Tenemos carreras totalmente distintas pero una visión del arte parecida, conocemos en profundidad el trabajo del otro y existe un vínculo muy fuerte de apoyo mutuo. El aún me pone las pilas y los pies en la tierra. Pero he trabajado mucho más tiempo en soledad y ahora lo prefiero porque soy bastante desordenada, ensucio mucho y siempre necesito más espacio. En el estudio con Javi entendí también lo importante que es el espacio íntimo, el poder equivocarse. Allí recibíamos muchas visitas y ocasionalmente me impedía trabajar con libertad ya que todo error quedaba expuesto y eso me incomodaba un poco. Aún así repetiría mil veces, y todos los días echo de menos la hora de la merienda con Javi. El año que viví en Portugal compartí casa con un grupo maravilloso de artistas, Raúl Domínguez Pazo, Jana Garbayo, Alba Fandiño, un escritor y un marinero, todos ellos del norte. Ese año no hicimos ni un solo amigo portugués, por lo que decidimos canalizar la frustración convirtiendo cada rutina, cualquier juego o lectura en algo –arte sólo para nosotros. Así aprendí más sobre arte que en toda mi vida, jugando. Seis desamparados en una casa inmensa con sótano. Durante el invierno, me enfrasqué con Jana en la elaboración de un pompón gigante siguiendo el método tradicional. Nos costó seis meses acabarlo. Sin duda una de mis piezas favoritas. Sin llegar a formar colectivos, es bastante habitual entre colegas de profesión reunirse para compartir puntos de vista y echarnos una mano. Yo siempre cuento con la ayuda de Alberto Beltrán que es algo así como mi media naranja en el arte. Y en el audiovisual cuento con mi compañera Mª Dolores Chanzá. Equipo de dos. Juntas hemos participado en multitud de proyectos, incluso tenemos un taller destinado a la producción escenográfica. Actualmente trabajamos mano a mano en la Dirección Artística para el estudio audiovisual Podenco y para la formación musical Gener. Ella es mi mano diestra, mi angelito bueno. Tengo esta suerte, la de poder trabajar con artistas y amigos a los que quiero y admiro. 

Con la aparición de Internet se ha abierto un campo infinito en cuanto a fuentes de documentación para, entre otros, la investigación personal artística para la producción propia: desde enciclopedias, archivos, Webs especializadas sobre todo tipo de temática, pero también blogs personales, plataformas colectivas y otras redes sociales. ¿Haces uso de la Red como herramienta de documentación e investigación? ¿Qué fuentes son las tuyas? 

Claro que sí. La asociación de ideas en el oráculo google es un método impagable de búsqueda de material de base, pero intento hacer un uso responsable de internet. También es un medio de contaminación y manipulación obscena que se puede aprovechar o no, en cualquier caso, apago internet cuando estoy en el estudio igual que apagaba la tele cuando hacía los deberes. 

Otra característica destacable de Internet para el gremio artístico es la posibilidad que ofrece el medio para el artista de autogestionarse a nivel de difusión de su trabajo y el establecimiento de un contacto más inmediato con sus públicos, sin la necesidad de terceros y una reducción considerable del coste monetario que éstos representaban en el pasado. Podríamos decir que estamos ante un cambio de paradigma, en el que el artista ya no queda a la espera de ser descubierto por el público a través de otros sino que puede adelantarse a ello, abrir las puertas de taller, compartir su proceso de trabajo y su producción final directamente con el espectador a través de las distintas redes sociales y plataformas colectivas. ¿Cómo te posicionas tú frente a este cambio? ¿Te ves reflejada en él? ¿Influye esto en tu forma de producir? 

Creo que es algo en eclosión que está evolucionando y puede ir hacia mil modelos diferentes. Me parece fabuloso no tener que estar a la espera de que un galerista te “descubra”, lo cual es un cruel eufemismo para decir que antes de cruzarte con él o no existías o eras como la América precolombina. La red, además, me ha permitido vender obra sin intermediarios a otras partes del mundo, lo que hubiera sido impensable sin su existencia y sin galería. Ya sería una tortura depender únicamente de la proyección cultural que ofrece el país.

Siguiendo con el tema de la difusión de las obras a través de Internet, te he buscado en Pinterest y puedo ver que ha habido un esfuerzo real de documentación y difusión por parte de terceros en “pinear” y “repinear” tu obra. De esa manera se ha multiplicado de forma considerable tu presencia en la Red. ¿Cómo vives el hecho de que tus obras se muevan por canales que no controlas y que se conviertan en “virales”?

Si digo la verdad me sorprende muchísimo. Y me alegra especialmente porque, de hecho, soy terrible publicitándome. 

¿Qué supone para ti colaborar en un proyecto como es el de la Red Mujer-Nodo? 

La calidad de la obra de las artistas que reseñáis es admirable, es todo un piropo formar parte de la lista. Para mí supone volver a abrir el canal de comunicación. He pasado mucho tiempo en el estudio, sin apenas moverme, y ésta es una oportunidad estupenda para compartir el trabajo. Además he decir que juntar en un mismo nombre los términos Mujer y Nodo me parece la pera. 

Últimamente se han podido ver por la Red una serie de polémicas acerca del término “feminista” y cómo están surgiendo voces femeninas que se auto-proclaman “antifeministas” sin tampoco pertenecer a movimientos contrarios al feminismo o de carácter conservador, pero que se posiciona en contra de muchas de las últimas prácticas artísticas que se realizan en torno a ese término. ¿Qué opinas de estas polémicas? ¿qué es para ti, hoy en día, ser feminista? 

Entiendo el feminismo como la lucha por la igualdad entre géneros. Obviamente, la situación de la mujer ha cambiado después de unos cuantos siglos de actividad, y seguramente exista la necesidad de replantear cuestiones que van quedando obsoletas. Pero ¿feminismo antifeminista? Quizá sea una estrategia algo más que complicada cuando todavía hay que definir constantemente qué significa feminismo. Vamos muy lentos. 

Aparte de Louise Bourgeois que hemos mencionado anteriormente en la entrevista, ¿qué otras mujeres artistas te interesan? ¿Con qué artistas actuales relacionarías tu obra?

Me gusta mucho el trabajo de Pipilotti Rist, Gabríela Friðriksdóttir, Judith Scott, Hollis Heichemer, Rebeca Warren, Cristina de Middel … por citar algunos nombres de artistas populares, pero en ningún caso relacionaría mi trabajo con el suyo. Es una pregunta muy difícil. 


Fotografías: Alberto Beltrán